Dialogando con Lorca
Por amor a Federico
El comisario suizo Hans Ulrich Obrist (Zurich, 1968) inauguró este sábado 24 una exposición en la Huerta de San Vicente (la Casa Museo de Federico García Lorca en Granada. La Huerta de San Vicente fue la casa de verano de la familia Lorca entre 1926-1936) para que los grandes creadores contemporáneos del momento, estancia a estancia, puedan dialogar con el poeta del Romancero Gitano.
Hans Ulrich ayudado por Laura García Lorca, comentó “Hemos intentado poner en evidencia la distancia que ahora existe entre las artes plásticas y la literatura, cosa que no ocurría, por ejemplo, en los años 20″.
La exposición, promovida por la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC), ha conseguido entrelazar los versos lorquianos con las obras de los artistas contemporáneos: Gilbert and George, Tacita Dean, Franz West, Cristina Iglesias, Phillipe Parreno, Koo Jeong-A, Anri Sala, John Giorno, Douglas Gordon…
El día de la inauguración Enrique Vila-Matas puso las palabras y el cantaor Enrique Morente su voz para llenar la casa de Lorca de pasión y alma.. Diálogo abierto de Federico con lo mejor del arte contemporáneo; y es que hay genios a los que la muerte no les quita vida…¿Qué opináis?
La foto que ha dado la vuelta al mundo. Los provocadores artistas Gilbert & George tumbados en la cama de Federico García Lorca.
2º Congreso Internacional de Educación Artística
Por amor a la educación artística
Ya puedes apuntarte al 2º Congreso Internacional de Educación Artística, sólo tienes que entrar en la web y rellenar el formulario.
Qué cómo, cuándo y los temas: En Granada, los días 31 de Enero y 1 y 2 de Febrero de 2008 .
Los temas que se tratarán son:
Au revoir, Maurice Béjart
Por amor a Maurice
El coreógrafo francés Maurice Béjart (1927, Marsella) ha muerto hoy en Lausana, el lugar donde residía desde los años 80, y al que había hecho mundialmente conocido por su Béjart Ballet de Lausana.
Ha sido uno de los mejores coreógrafos de su tiempo, y de otros. Original, innovador(mezcló distintos géneros: el cine, el teatro o la ópera, cubriendo diversas épocas, estilos y civilizaciones) arriesgado( combinó la técnica clásica, con la sacra y la sensual); su premisa, la intención de su vida profesional fue convertir la danza en el arte del siglo XX.
El Pavarotti de la danza afirmaba orgulloso:”Saqué la danza de las salas de ópera para colocarla en el Palacio de los Deportes, en los Juegos Olímpicos, en el Festival de Avignon”
Tenía una ambición y la consiguió: convirtió la danza en arte.
Una muestra de su originalidad: Ballet Béjart con música de Mozart y Queen.
Bardín el superrealista
Por amor a los cómics
El dibujante catalán Francesc Capdevila, más conocido como Max, ha ganado el primer Premio Nacional de Cómic concedido por el Ministerio de Cultura español.
Distinguido como el mejor cómic publicado a lo largo y ancho de 2006, Hechos, dichos, ocurrencias y andanzas de Bardín el Superrealista ha sido el ganador (reconocimiento+15.000 euros) de este acertado premio al mundo de las historietas.
Max ha afirmado que le gustaría que con este premio “el cómic se equipare a otras actividades artísticas“.
¿De qué va su cómic premiado? “….Habla de la realidad, pero de manera no realista, pues trata de temas que afectan a la gente corriente trasladados a escenarios inverosímiles y fantásticos“.
¿Por qué se decidió otorgar este galardón a las tiras cómicas de Bardín? Responde el jurado: “…porque es gráficamente deslumbrante, con un guión original y repleta de referencias literarias, filosóficas y cinematográficas y porque marca un antes y un después en la historieta española”.
Max y sus historietas sobre Bardín: un dibujante y un cómic a tener en cuenta, a partir de ahora mismo. ¿Lo conocías?
Jaime Hayón:mucho más que un diseñador
Por amor a la intuición
Este madrileño, que nació en el año 1974, disfruta ya del honor de ser considerado un artista contemporáneo. Sus trabajos son inclasificables y rozan la línea etérea entre el diseño y el arte, pero a él le dan lo mismo las clasificaciones porque crea por pasión.
No bebe de ninguna fuente excepto de la vida en toda su inmensidad caótica y ordenada. Se ha forjado a sí mismo siendo un observador nato. A los 21 años trabajó para Luciano Benetton en su Fábrica , y compartió momentos y aprendizajes con el fotógrafo estratégico, Oliverio Toscani, del que aprendió que “lo que no se comunica no existe” y también “a mirar de otra manera”
En la actualidad preside como dios el Olimpo de los elegidos: trabaja para Camper, Lladró, Swarovski, Bisazza, y más de lo más; además de poseer un estudio de diseño en Londres: www.hayonstudio.com.
Sus diseños pueden resultar, en ocasiones, chocantes pero según él están basados en lo cotidiano, en el interés que le despierta cualquier cosa, y, también, en su intuición: “Mi inspiración es una visión de mi día a día: viajar, conocer, comprender, aprender…Me interesan mundos muy perdidos”
Jaime Hayón es un artista peculiar, y sus obras son un fiel reflejo de esa singularidad: el arte por intuición y como forma de entender y amar la vida. La pasión del creador que disfruta con el arte de dar vida a objetos nuevos, sin que tengan que cumplir un cometido concreto.
La Fundación BBVA expone 80 obras que resumen la evolución del arte latinoamericano.
Anónimo (Perú)
Santa Rosa de Lima, 1700-1730
Por amor al Arte de Latinoamérica
La Fundación BBVA para celebrar los 150 años del Banco BBVA ha montado una exposición con las obras que la fundación posee en sus sedes de Argentina, Colombia, Chile, México, Perú, Uruguay y Venezuela. Con esta magnífica iniciativa el BBVA demuestra su interés por la conservación y difusión, no sólo del arte español sino también del que se crea en el mundo entero. El arte no tiene fronteras ni cadenas, el arte es universal.
Arte latinoamericano en la colección BBVA muestra por etapas la riqueza del arte de Latinoamérica. Desde las primeras piezas arqueológicas que dan habida cuenta del Arte de la América Andina prehispánica, pasando por las pinturas y esculturas que hacen referencia al Arte, religiosidad y vida cotidiana en los virreinatos de América, recorre El siglo XIX americano, y hace hincapié, con soltura y variedad de obras, en El Arte del siglo XX en Latinoamérica.
Refiriéndose al arte latinoamericano del siglo XX, el galerista e historiador español Guillermo de Osma, ha comentado: “El arte latinoamericano del siglo XX es uno de los más interesantes y que más ha llamado la atención en el panaroma internacional. Un arte mucho más rico y variado de lo que la imagen tradicional del bloque compacto ha dado a entender, restando la importancia que merecen determinadas regiones, etnias y tradiciones”
Yo creo que no somos conscientes de la inmensidad cultural y artística que tienen en Latinoamérica, pero espero que con esta exposición muchos abran los ojos y callen la boca.
Martín Tovar y Tovar, Diego Rivera, Manuel Cabré, Arturo Gordon, José Chávez Morado,Carlos Cruz-Díez, Leonora Carrington, Joaquín Torres García, Fernado Botero y un número considerable de artistas nos hablarán de su arte hasta el 9 de diciembre de 2007.
Es una excelente ocasión para disfrutar de una oportunidad única: hacer un recorrido por la historia del Arte Latinoamericano.
Buenas noticias: La entrada es libre.¿Dónde? En Madrid: Palacio Marqués de Salamanca, Paseo de Recoletos, 10. ¿Cuándo? Los martes y sábados de 11 a 20h. Los Domingos y Festivos de 11 a 14h. Los lunes permanece cerrado.
¡No podéis faltar!
Eileen Gray:el eslabón recuperado de la modernidad
Por amor al talento
Eileen Gray (1878-1976), diseñadora y arquitecta irlandesa: es una de las creadoras más ingeniosas del siglo XX.
Innovación, originalidad, versatilidad y bienestar fueron sus premisas a la hora de diseñar muebles prácticos que sabían/saben cómo sacarle el máximo partido a los espacios.
Mujer visionaria que creó muebles para vivirlos: cómodos, estéticamente elegantes y funcionales.
Creaciones laqueadas, acero tubular, cristal; técnicas aprendidas de un artesano japonés, como los materiales que empleó Eileen Gray fue única.
Dicen que en vida no gozó del reconocimiento merecido, y ya imaginamos los motivos, ¿vosotros también?
Antoni Tàpies:un artista en constante evolución
Chaussures sur Chaise - 1984
Por amor a evolucionar
Antoni Tàpies (Barcelona 1923) artista global y académico de Bellas Artes, dota a su obra de un enfoque personal que ha sabido ir adaptando al paso implacable del tiempo, situándose siempre en la vanguardia del arte.
Su formación es autodidacta, él mismo se preparó, sin más escuelas que el intenso amor por la creación y una férrea voluntad.
Haciendo un recorrido por su trayectoria artística nos detenemos primero en 1948, en su digamos época surrealista, en la que junto con Joan Brossa, Cuixart, Ponç y Puig fundó el grupo Dau al Set. En 1949 Eugeni d’Ors le incluye en su Salón de los Once, y en el 1950 expone solo en Madrid. Es durante este mismo año que viaja a París y conoce el Art Autre, que marcará su obra: sus famosas pinturas matéricas, que continúa trabajando en la actualidad.
Artista comprometido social y políticamente: en los años sesenta y principio de los setenta utiliza su arte como denuncia ante una situación concreta: el franquismo.
Los objetos despertaban/despiertan un gran interés en él, tanto es así que empezó a introducirlos en sus obras marcándolos con un lenguaje propio: objetos que una vez han pasado por su arte se convierten en artilugios que se expresan en varias versiones…Su pasión por los objetos lo encaminó hasta el mundo de la escultura.
Autodidacta de espíritu libre combina el lenguaje poético, la historia y la crítica con el hombre, la naturaleza y el entorno en el que se relacionan.
En los últimos años sus obras se centran en una constante reflexión sobre el dolor en todos sus ámbitos. Tàpies opina- siguiendo los pensamientos budistas- que cuanto mayor sea el conocimiento que tengamos acerca del dolor, podremos suavizar sus efectos, y por lo tanto mejorar nuestra calidad de vida cuando lo padezcamos.
Él mismo creó una fundación www.fundaciotapies.org para dar a conocer al mundo el arte contemporáneo y moderno.
Te puede gustar o no pero Tàpies, hoy por hoy, no te deja indiferente..
Si vas a Viena visita Babette’s, una librería para chuparse los dedos
Por amor a lo que nos sorprende
Babette’s es una librería gastronómica que cuenta en sus estanterías con casi 3000 libros de cocina del mundo entero, y en todos los idiomas posibles.
Pero la especialidad más suculenta de esta peculiar librería es que posee un restaurante propio, y los visitantes pueden probar in situ cualquier receta que lean y les apetezca desgustar.
Por el día se sirven los libros encima de las mesas como aperitivo, por la noche éstas se despojan de los libros y se engalanan de platos al gusto.
En Babette’s son especialistas en la cocina de las especias: a la hora de comer se sirve un menú con algún plato típico austriaco y una receta que contenga especias.
Aparte de librería y restaurante, Babette’s tiene una escuela de cocina, una galería de arte y un espacio para charlas.
Su página web es muy original: www.babettes.at . Os la recomiendo, por amor a la gastronomía.
Global Feminisms:el arte tiene muchos matices
Por amor al arte que paren las mujeres
En el Brooklyn Museum, y con el nombre de Global Feminisms, se dan cita desde el 19 de septiembre y hasta el 9 de diciembre de este año, las obras de más de 80 mujeres artistas comprometidas con el mundo y sus circunstancias.
80 mujeres que presentan sus trabajos desde 1990; trabajos que dan a conocer temas políticos, culturales y sociales desde diferentes puntos de vista.
¿Por qué 80 y por qué sólo mujeres? Sólo mujeres porque era/es una buena idea que las mujeres que hacen arte reunieran/reúnan sus obras para mostrar/demostrar al mundo que no existe una única forma de feminismo y, que a pesar de eso, todas las formas de ver, enfocar y hacer arte que nacen y se extienden desde la mujer hacia la pintura, la escultura, la artesanía, la fotografía, el performance, etc ….se pueden juntar, iniciar un diálogo y luchar por el mismo objetivo: la igualdad.
¿Por qué 80? Por nada en particular. Porque 80 son las mujeres artistas contemporáneas que se atreven a enseñar su arte conjuntamente, con ganas de llegar a la sociedad en pleno, sin diferencias de ningún tipo.
¿Por qué no democratizamos el arte ya de una vez por todas?¿Qué opináis?
