Una leyenda llamada Jean Michel Basquiat
Por amor al artista plástico neoyorkino Jean Michel Basquiat
Jean Michel Basquiat (Nueva York 1960-1988) tenía sólo 27 años cuando murió de una sobredosis de heroína; 27 años de excesos, y una carrera de éxitos aplaudidos y reconocidos. Un punto final que lo convirtió en un mito, dentro y fuera del mundo del arte.
En 1977 comenzó a pintar grafitis. Estuvo durante dos años viviendo en las calles de Nueva York; sobrevivía de lo que obtenía de la venta de postales y camisetas que él mismo diseñaba. Firmaba sus grafitis como SAMO ( de “same old shit”, la misma vieja mierda).
A partir de 1980, llevado por su curiosidad intelectual, se dio de bruces con la pintura; y comenzó una intensa y apasionada relación; entre Basquiat y la pintura.
Ese mismo año sacó sus grafitis de la calle, de la marginalidad, para exponerlos, junto a otros artistas, en una galería situada en un almacen del Bronx: Times Square Show.
Jean Michel, también, sentía pasión por la música: la compuso, la interpretó y la mostró.
En 1981, durante una exposición colectiva New York/New Wave, conoció a Andy Warhol; y a partir de ese momento, entre los dos, surgiría una complicidad tanto personal- amistad- como profesional- colaboraciones: Andy Warhol se convirtiría en su mentor-padrino.
En 1982: el éxito salió a recibirlo; escalando hacia arriba: cerca de 40 exposiciones individuales y rondando las 100 colectivas. Publicidad, promociones; el artista, lo mediático y lo flashes.
El 12 de agosto de 1988 murió, inaugurando su leyenda y la inmortalidad.
“El más celebrado artista negro de los ochenta, Jean-Michel Basquiat, utiliza con frecuencia la imaginería ‘negra’, pero al mismo tiempo siempre demuestra su ansiedad por someterla a claros acentos de universalidad.” También precisa que “su intención no era tanto construir una capillita más para la cultura afroamericana, sino competir en igualdad de condiciones con su mentor Andy Warhol” (Edward Lucie Smith: crítico británico)
En 1996, su amigo, el director y pintor Julian Schnabel, después de 6 años de rodaje, llevó su vida al cine: Basquiat.
Ahuyentando los fantasmas es la exposición que podrás ver, a partir de mañana y hasta el 14 de septiembre, en la sede de Santander de la Fundación Marcelino Botín.
Muestra que está formada por una colección de 40 obras de Basquiat; obras que se detienen en su particular visión de la fragmentación del cuerpo humano.
En otoño: Basquiat y “sus visiones” viajarán a Roma.
Love Dub for A, de Jean Michel Basquiat
Los atrayentes espejos de Monir Shahroudy Farmanfarmaian
Por amor a la artista iraní Monir Shahroudy Farmanfarmaian
Monir Shahroudy Farmanfarmaian, 84 años, crea obras de arte a partir de espejos en forma de mosaico.
El resultado sorprende: se trata de un interesante espectáculo de deslumbrantes imágenes geométricas, que se mueven entre el moderno minimalismo, la tradición geométrica islámica y la influencia de los grandes monumentos arquitectónicos de Irán.
En una galería anexa al museo londinense Leighton House, podrás ver la exposición de esta artista, comisariada por Rose Issa, experta en arte de Oriente Medio.
Rose Issa descubrió la obra de Monir Shahroudy Farmanfarmaian mientras visitaba, en 1999, el Museo de Arte Contemporáneo de Teherán. Impresionada por las obras de Monir, la buscó hasta dar con ella en Nueva York.
Y desde entonces hasta hoy: a Rose Issa le gustaría montar una exposición de la obra de Monir Shahroudy en España, un país donde, gracias a su importante legado islámico, su arte sería muy bien comprendido y sobre todo admirado.
En defensa de la mujer: Nancy Spero
Por amor a la artista norteamericana Nancy Spero
¿Por qué a algunas galerías norteamericanas no les hace gracia la obra de Nancy Spero y se niegan a cederle sus salas? Porque Nancy Spero es sincera, no se detiene, y le pone Voz y Color a situaciones que al hombre le gustaría que permanecieran calladas, pero, afortunadamente, con Nancy Spero ( Cleveland, Ohio, 1926)eso no es posible; ella no sabe quedarse en silencio, y su arte es su manera de expresarse, de reivindicar y de protestar ante una situación, la de la mujer, que ya clama a 25.000 cielos.
Nancy Spero. Disidanzas es la restrospectiva de la artista estadounidense, que podrás ver en Europa y en Norteamérica, por primera vez. El lugar, el MACBA. Su comisario, el actual director del Museo Reina Sofía, y antiguo del MACBA, Manuel Borja-Villel. Su comisaria, Rosario Peyró.
Hasta el 24 de septiembre, Nancy Spero te espera con su arte-talento-maneras de decir, en el MACBA: 178 obras que se expresan por sí solas…
Su obra denuncia las guerras, de Vietnam a Irak, y la violencia contra las mujeres. 
Bravo, multiplicado por cien mil, por la valentía y el arte de Nancy Spero.
Verano de arte en la madrileña estación de Atocha
Por amor al artista manchego Antonio López
A partir de hoy, cuando llegues con el AVE a la madrileña estación de Atocha, en la plataforma tendrás una sorpresa, en formato de esculturas, esperándote; una con los ojos abiertos, otra con los ojos cerrados, para darte la bienvenida: Día y Noche, de Antonio López.
“Atocha fue mi entrada a Madrid cuando llegué en 1949, así que es muy especial poder colocar mis piezas aquí. Es un espacio magnífico”- dijo Antonio López, con la emoción en el habla y en la mirada.
Día y Noche son dos monumentales cabezas de bebé, de unos tres metros, hechas en bronce, con un peso de más de 2.000 kilos. Ya han sido colocadas una enfrente de otra, y representan la cara de la nieta de Antonio López; con los ojos abiertos, de día, y con los ojos cerrados, de noche, durmiendo plácidamente.
Noche, de Antonio López
(Foto: EFE)
Inmenso Antonio López, tanto o más que sus grandiosas esculturas. 
Día, de Antonio López
(Foto: EFE)
El Greco bate récords en Valencia y Sorolla supera los cien mil visitantes en Sevilla
Por amor a El Greco y al Museo de Bellas Artes de Valencia
Casi 100.000 personas ( para ser exactos 9 8.900) han visitado la exposición de El Greco, que finalizó el pasado domingo, en el Museo de Bellas Artes de Valencia.
La muestra estaba formada por 24 cuadros de El Greco y su Taller, un ejemplar de las obras completas de Jenofonte, anotadas por El Greco, y un retrato de él mismo, realizado en 1910 por Joaquín Sorolla.
Por amor a Joaquín Sorolla y al Museo de Bellas Artes de Sevilla
El 24 de abril se inauguró la exposición Sorolla. Visión de España, en el Museo de Bellas Artes de Sevilla; desde entonces ha recibido más de 100.000 visitantes.
Sorolla. Visión de España está formada por los 14 lienzos que la Hispanic Society de Nueva York le encargó al pintor valenciano.
Podrás disfrutar del arte de Sorolla en Sevilla hasta el 29 de junio…
El tiempo no se detiene: no lo olvides.
Anish Kapoor: “My red homeland”
Por amor a Anish Kapoor
1000 Names, 1979-80, de Anish Kapoor
A nadie deja indiferente las obras del artista de origen hindú Anish Kapoor ( Bombay, 1954). Todo es posible en unas piezas que transitan entre la pintura y la escultura, mientras desafían al espacio y al tiempo.
Afincando en Londres desde el año 1973, sus trabajos reflexionan sobra la condición del objeto, como una necesidad intrínseca, inherente, de explorar todas las posibilidades que contienen los objetos dentro del planeta arte.
Sus esculturas y pinturas te sugieren con sensualidad, te invitan a viajar con la vista y la imaginación; nada es lo que parece en unas obras que consiguen asemejarse a aquello que al espectador le gustaría.
Y entramos en lo tangible, en lo que se puede experimentar, en la cualidad física de su obra, como periplo hacia el interior del cuerpo humano.
“Yo relaciono todo con el cuerpo, pero no de manera obvia. Lo obvio no es arte, es cualquier otra cosa”
Y el suyo, evidentemente, no es un arte obvio sino de un sobrecogedor impacto lírico; un arte sublime que no se deja racionalizar, sólo sentir.
“Prefiero volver la mirada al interior del cuerpo. Es un espacio poético. Es como si el ser humano contuviera el universo”
Anish Kapoor consigue transformar el espacio con sus esculturas y darle una categoría más allá del juego tridimensional; sus creaciones te engullen cálidamente: con ellas la sorpresa se instala en tus sentidos.
Estar delante de una obra de Anish Kapoor es comenzar una experiencia intensa, envolvente, misteriosa… Mirar, percibir, aprehender, dejarse fluir; es el arte que modifica los espacios en los que se expone y, también, la forma de mirar del espectador (los ojos son instrumentos intelectuales), que se agranda y agranda; inaugurándose un ante y un después.
“No tengo nada que decir como artista, no creo que decir algo sea importante pero pienso que es posible crear lugares cargados de energía. Ámbitos de cierta intensidad.”
¿Qué color inunda el cuerpo humano? ¿Qué color tiene la tierra? ¿Qué color te solidariza con la vida? Para Anish Kapoor sería el color rojo, uno de sus colores preferidos; el color de la energía.
“ El rojo simboliza la vida, el fuego, la sangre, es el color ligado a la vida”
Los colores se vuelven poderosos en las piezas de Anish Kapoor; expresivos, con vida propia. Para el artista hindú el color es un estado, es mucho más que lo que cubre una pieza; lo compara con meter la mano en al agua: tu mano no sólo se cubre de agua sino que pasa a estar mojada, Mojado es un estado diferente a seco.
Lleva 27 años innovando, profundizando con los materiales, el color y el movimiento, buscando y encontrando respuestas…
Comenzó con formas geométricas que recubría con un pigmento en polvo, que le concedía a sus obras un aspecto sensitivo, intocable. Dejó el polvo y experimentó con materias compactas, como vaselinas, ceras y plásticos: lo tangible ensanchando los horizontes del arte.
En Anish Kapoor. Past, Present, Future, exposición que se podrá ver hasta el 7 de septiembre en el Institute of Contemporany Art, de Boston, se podrá disfrutar de 14 esculturas realizadas desde 1980 hasta la actualidad; esculturas que conforman un recopilatorio de ideas que intentan acercarse al mundo para intentar comprenderlo.
Anish Kapoor. Past, Present, Future: fusión, tradición, luz, color, misticismo y formas que parecen moverse, que te alargan la vista hasta el infinito para regresar al interior de tu propia alma: todo un espectáculo.
Los “Caprichos” de Goya
Por amor a Francisco José de Goya y Lucientes
En Lille, norte de Francia, en el Palacio de Bellas Artes, podrás apreciar la colección de grabados de la serie los Caprichos, de Goya, que se expodrán hasta el 28 de julio.
Pero Goya no estará sólo, obras de artistas contemporáneos lo acompañarán: Pondick, Jake&Chapman, Morimura, Schütte, Reekie…
En busca del Nirvana: “El arte del Tíbet. Imágenes para la contemplación”
Por amor al Tíbet
Pinturas, esculturas y objetos rituales del arte budista, alrededor de 100 piezas procedentes de los Musées Royaux d’Art et Histoire de Bruselas (MRAH), de los siglos XVII al XIX, son protagonistas de El arte del Tíbet. Imágenes para la contemplación, que podrás ver hasta el 27 de julio, en Fundació La Caixa, de Girona (Sala Girona).
Las palabras imágenes para la contemplación ya te invitan solas a relajar la mente y el cuerpo, y dejarte llevar por una suerte de obras poseedoras de una belleza diferente y singular, que exploran las diferentes etapas del mundo tibetano: sus ceremonias, la relevancia de las órdenes monásticas o lo sagrado de su historia. 
“La voluntad creadora”, de Carmen Conde, llega a la Biblioteca Nacional de Madrid
Por amor a Carmen Conde
Desde ayer y hasta el 17 de agosto, La voluntad creadora, de Carmen Conde, permanecerá en la Biblioteca Nacional de Madrid. Con ella se pretende conmemorar el nacimiento de Carmen Conde alias Florentina del Mar (1907-1996)
La primera mujer que se sentó en un sillón de la Real Academia Española, sucedió en 1979, todo un hito dentro de una institución, la RAE, compuesta, hasta esos momentos, sólo por hombres; esa mujer, Carmen Conde, fue una escritora todoterreno: novelista, poeta, ensayista, dramaturga, y autora de libros infantiles y juveniles. También desarrolló una intensa actividad cultural y política en una España intransigente, que la persiguió por no quedarse ni callada ni quieta.
Revistas, libros, dedicatorias, documentos y manuscritos forman la exposición con la que conocerás mejor la obra de una escritora esencial, como la sal de sus versos: He venido a quererte, a que me digas tus palabras de mar y de palmeras; tus molinos de lienzo que salobres me refrescan la sed de tanto tiempo.
Suma Transida
Encerrarte en palabras…
¡Que tú, tú, quepas en verbos, nombres,
y adjetivos intactos!
Que yo lo pueda decir todo:
lo nuestro, esto que hacemos
y estaremos haciendo siempre,
eternísimamente:
hablar, callar, ser tú y yo
siéndonos nuestros.
Darte una dimensión humana,
representación de ti en la tierra:
estatua, color, arrebatado paso,
y sereno mirar con esos ojos tuyos
y míos: nuestra mirada del mundo.
Que un día, los mortales sin remedio sepan
cómo tuviste sangre,
y abierta pasión por todo;
y te diste cantando, sufriendo,
a mis brazos locos, y lentos, y débiles,
y fuertes, y fríos, y pobres de luz,
pero enamorados tuyos.
Para saber que has sido verdad,
que has sido, ¡pero no eres entonces!
Buscar las palabras de cuando no vivas,
para que vivas mientras se hable.
Dios de dolor, nunca decir podré
cómo eres tú, mi amor, amor mío,
criatura de glorificación que hallo
derramada en océanos,
cielos, campos, ríos y árboles;
y hasta en palomas tristes que en la aurora
¡te despiertan a mi amor por ti!
Alphonse Mucha: de aventuras por la belleza
Por amor a Alphonse Mucha
Fruto del trabajo y de la colaboración entre la Fundación La Caixa y la Mucha Foundation se presentó, el pasado 30 de abril en Madrid, la primera exposición en España dedicada a Alphonse Mucha: el artista que escaló por la belleza hasta conseguir llegar a la cima: el estilo Mucha.
Alphonse Mucha fue un pionero en el vasto universo del arte: un explorador de luces acogedoras. Precursor del Art Noveau; aplicó el arte a la publicidad y fue uno de los padrinos del diseño gráfico moderno.
Sus puestas en escena buscaban la belleza como compañera de juegos; ella, la diosa inspiradora, y él, el artista, se recreaban con elementos de otras disciplinas artísticas para conseguir piezas únicas: sus carteles y pinturas continúan cautivando como lo hicieron años atrás.
Recuerda: hasta el 31 de agosto en el CaixaForum Madrid ( Paseo del Prado, 36).
